Vamos a hacer una escala en nuestra ruta por el mundo en Japón, para recrearnos con uno de los primeros trabajos del teclista Motoi Sakuraba, el disco Baroque in the Future de su banda Déjà Vu.

Déjà Vu, fundada por Sakuraba en 1988, es su presentación en el mercado musical japonés. La banda tuvo una buena acogida, pero, sin embargo, acabó disolviéndose antes de lanzar un segundo disco al mercado por discrepancias sobre la dirección musical a seguir. La calidad de las composiciones le labró un mágnifico porvenir en el mundo musical a Motoi Sakuraba. Podemos encontrar a Sakuraba en una larga lista de bandas sonoras de videojuegos (Valkyrie Profile, Shining Force III...) y series de animación (Weißkreuz Glühen, Star Ocean Ex...).



Baroque in the Future, está compuesto por siete pistas de genuino rock progresivo basado principalmente en las geniales composiciones de teclado de Sakuraba, lo cual resulta obvio dado la total o practica totalidad de ausencia de guitarras. Bajo y batería terminan de dar cuerpo a uno de los discos más desconocidos del genero.

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Nos vamos al otro lado del charco para traeros el album Al-Bandaluz de los mexicanos Cast, referentes del rock progresivo en latinoamérica.

Cast se funda en el año 1978 de la mano de Alfonso Vidales, el cual es también fundador y organizador de uno de los festivales progresivos más importantes del planeta, el Baja Prog.



Al-Bandaluz es un disco inspirado en el rock andaluz de los años setenta, asimilando parte de su esencia al sonido sinfónico progresivo de la banda. Precisamente por ello, parte del disco está grabado en Jerez de la Frontera (Cádiz). Editado en doble CD, contiene 10 pistas donde los teclados, batería, percusión, bajo, saxo, flauta, clarinete y guitarras dan cuerpo a excelentes piezas sinfónicas.

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Seguimos en la década de los setenta. Turno ahora para los ingleses Caravan, pioneros del llamado sonido Canterbury, y su tercer disco, In The Land Of Grey And Pink.

La banda se funda en 1968 por el guitarrista y cantante Pye Hastings, el teclista Dave Sinclair, el bajista y vocalista Richard Sinclair, y el batería Richard Coughan. Ese mismo año lanzan al mercado su album debut, del mismo nombre de la banda, mezclando psicodelia con jazz. A partir del segundo disco, If I Could Do It All Over Again, Caravan adopta un estilo que sería su santo y seña en discos venideros, mezclando diversos estilos incluyendo jazz e influencias inglesas. Esta receta les llevaría a la gloria con su tercer album, In The Land Of Grey And Pink.



El album está compuesto por cinco canciones de estilo Canterbury, donde la guitarra pasa a un segundo plano dejando paso a otros instrumentos como la flauta, el piano, el saxo, el organo, la batería o el melotrón. Dichos instrumentos se encargan de darle cuerpo y textura a las canciones, orientandolas hacia estructuras más melódicas pero sin carecer de solidez.

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Volvemos a darnos un paseo por los balcanes. Nos vamos a lo que en 1977 era Yugoslavia, más concretamente a la región de Serbia y Montenegro. Es el turno de Smak, y su album Crna Dama.

Smak es fundada en 1971 por el guitarrista virtuoso Radomir Mihajlovic. Durante los primeros años de la banda le acompañan los músicos Slobodan Stojanovic (batería), Zoran Milanovic (bajo), Boris Arandjelovic (voz) y Lazar Ristovski (teclados). Durante estos años lanzan al mercado su disco debut, Smak, y tocan en directo por los balcanes, convirtiéndose en una de las bandas más populares de la extinta Yugoslavia. En 1977 Ristovski es reemplazado en los teclados por Miki Petkovski, y es con dicha formación con la que lanzan al mercado Crna Dama.



Crna Dama rebosa talento por los cuatro costados. Siete piezas componen este disco: Tres grandes éxitos en su época, Crna Dama, Alo, y Daire, dos canciones instrumentales, Domaci Zadatak, donde las alegres melodías de piano, moog y bajo son rematadas por la soberbia guitarra de Mihajlovic, y dos baladas, Plava Pesma y Stvar Ljubavi.

El disco obtuvo tanto éxito que al año siguiente fue lanzado al mercado en inglés bajo el nombre de Black Lady para el mercado occidental.

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JODER, EN MAYÚSCULAS, CLARO QUE SÍ.

No por nada, pero es que ponerlo aquí entre tanto grupo chungo-raro me parece hasta una herejía, ya no podía ver más portadas de melenas raros que cantan rock-psicodélico-punk-new-age de los años 70 en su Estonia natal.

Se acabaron los rollos chungos con el puto Sai, aquí el servidor os trae un clásico, otro puto negro sí pero nadie, nadie pero es que nadie que se atreva denominarse amante de la música puede dejar de tener aunque sea una canción de este PUTO DIOS de la historia de la música mundial.

Como haya algún mamón de estos modernillos de por aquí que pretenda compartir conmigo más música rara de mier... y no tenga algo de Stevie, bueno, es que no es pa hostiarle no, A LA PUTA HOGUERA PERO YA, y sin depilar, para que el escroto sea lo primero que prenda por hereje.

Aún estoy dudando de si estoy poniendo suficiente énfasis o no, pero lo sigo intentando. Mr. Wonder coge al Pau D'onés ese que se le ocurrió poner al impío en maldita la hora, y le revienta el ojete con su pollón negro de proporciones épicas para luego quitarse las gafas y decirle un molón: "Tate callao que no te quito el ojo" mientras se enchufa un cigarro o se mete un chute de jaco.

Aunque la gente que no conoce a este titán debería morirse de propia vergüenza en plan fisiológico, ya sabemos que la naturaleza no es del todo inteligente (si no hubiese creado lechuga con sabor a pizza barbacoa) así que desde aquí los emplazo a extraerse los ojos en adoración suprema al enorme Stevie Wonder o arderán en el infierno sodomizados por él y por su mano derecha en el olimpo musical de los dioses ciegos, Ray charles.

No debería, pero voy a poneros una canción menos conocida, si es que eso es posible, que las 2 o 3 normalmente más recurridas para que escuchéis el STEVIE SOUND, porque nadie, nadie ha sonado así, suena así ni sonará así jamás.

Todos los que no tengan nada de este tío ale, a bajar como cerdas y a darme las gracias por haceros mejores personas de manera completamente altruista.

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Y aprovecho la mala hostia fingida del post para pedir un poquito de por favor a la hora de poner tags a las entradas joder, que un grupo uzbeko que toca la dolçaina y el xilófono con sintetizador no es rock ni será rock en la puta vida. Rock psicodélico vale, pero rock no. Coño ya.

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Hace tiempo que le prometí a Kento un artículo de esta banda, que posiblemente estaría más acorde con sus gustos, así que allá va.

Mucho tiempo atrás, la vida sonreía a Michael Kiske. Su llegada a Helloween supuso una auténtica revolución en el mundo del heavy metal melódico, la banda empezó a vender discos como rosquillas (sigo pensando que mucho más debido a las composiciones de Kai Hansen y Michael Weikath, pero bueno), y el futuro se presentaba de color de rosa. Sin embargo, las inquietudes musicales de Kiske iban mucho más allá del metal melódico, queriendo explorar otros caminos menos "agresivos". Kai Hansen se fue, Kiske se hizo con el control, la banda no vendió lo bien que debería a pesar de su incipiente "comercialidad", y finalmente Michael Weikath lo expulsó.

Privado de la banda que le dio su fama y su nombre, entre otras razones por la grandísima calidad de su voz, Kiske inició una corta carrera en solitario en la que lanzó al mercado dos discos. Después estuvo de flor en flor colaborando en proyectos de otras bandas, hasta fundar la suya propia, Supared, en el año 2003.



A nadie pretendo engañar, lo único que tiene en común este disco con los Keepers es la voz, el resto es tan diferente como la noche y el día. Muy alejado del metal, aun teniendo toques Hard Rock en algunas de sus canciones, Supared es un disco compuesto por 14 canciones de rock alternativo que no termina de aportar nada nuevo al genero. Sin embargo, aquellos amantes de las voces melódicas y virtuosas encontrarán aquí el aliciente de una voz prodigiosa en perfecta forma.

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Seguimos en Alemania para ofrecer un disco un poco diferente a lo que os suelo traer por estos lares. Es el turno del disco It´s Getting Better de la banda Atlantis.

Atlantis se forma en 1972 de la mano de la cantante Inga Rumpf, el teclista Jean-Jacques Kravetz, los guitarristas Karl-Heinz Schott y Frank Diez, y el batería Curt Cress. Después de unos pocos conciertos graban su primer disco, Atlantis, del cual la prensa del momento se deshace en elogios, llegando a ser considerada en Inglaterra "la banda más inglesa de Alemania". Al año siguiente, con relevos a la batería y guitarra por parte de Ringo Funky Dieter Bornschlegel, lanzan al mercado su segundo disco, It´s Getting Better.




It´s Getting Better está compuesto por 7 temas de corte blues rock con influencia de elementos progresivos e incluso algo de R&B. En el, la mayoría de canciones están construidas alrededor de la voz de Inga Rumpf, la cual estaba bastante influenciada por la música negra por aquel entonces. Sin embargo, los instrumentos no son meras comparsas de la artista, siendo las guitarras también protagonistas, genialmente acompañadas por los teclados y la parte rítmica.

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Seguimos con otro disco de rock progresivo, esta vez desde Alemania. Es el turno para Lucifer's Friend, y su album Where The Groupies Killed The Blues.

Lucifer's friend fue fundada en 1970 bajo el nombre de Axterix por John Lawton (ex-Stonewall), Peter Hecht, Dieter Horns, Peter Hesslein y Joachim Reitenbach (estos cuatro últimos ex-German Bond). Poco después de lanzar al mercado su primer disco, cambian el nombre a Lucifer's Friend, el cual conservarían hasta su desaparición en 1982. No obstante, la banda hizo un amago de volver al mundo musical entre 1993 y 1997 bajo el nombre de Lucifer's Friend II, pero solo llegaron a sacar un disco bajo dicho nombre, desapareciendo definitivamente.



Where The Groupies Killed The Blues fue su segundo disco como Lucifer's friend. En el podemos encontrar siete canciones de variado estilo con fuerte presencia de elementos progresivos sobre una base influenciada por el sonido de Led Zeppelin y Black Sabath. A destacar el acompañamiento de piano, que ayuda a las guitarras a darle cuerpo a las canciones, sin usar tanto el órgano como en otros discos de la banda.

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Damos un paseo ahora hasta Croacia para traeros otro genial disco, Criminal Tango, de la mano de Atomsko Skloniste.

Atomsko Skloniste fue fundada en 1977 en Pula, Yugoslavia por aquel entonces y actualmente territorio croata. Toman su nombre de la obra antibelicista del poeta Bosko Obradovic del mismo nombre, el cual acabaría componiendo canciones para la banda.

Durante sus inicios hicieron una combinación, como ellos mismos se definían, de música punk y música hippie, derivando poco a poco hacia un rock progresivo de elaboración simple pero atractiva.



Criminal Tango, lanzado al mercado en 1990, fue su séptimo album de estudio. En el encontramos a una banda mucho más madura, alejada ya de ese estilo "hippie-punk", con unas guitarras más elaboradas pero sin caer en el excesivo virtuosismo que a veces hace aburrido al genero del rock progresivo, genialmente acompañadas por bateria y teclados dando una agradable y melodiosa base a la voz.

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Como por aquí pulula mucho friki, vamos a sacar a una banda japonesa a la palestra. Aquí teneis el album Goldbrick, de la banda del mismo nombre.

Goldbrick son Akira Tojiyama a la guitarra y Yukio Morikawa a la voz. Antes de fundar Goldbrick ya habían trabajado juntos en una banda tributo a Rainbow llamada Niji Densetsu. Antes de fundar la banda, Akira Tojiyama había trabajado en Precious y Niji Densetsu, además de colaborar con Joe Lynn Turner y Hughes Lynn Project. Por su parte, Yukio Morikawa había sido vocalista de la banda Anthem (otra banda que cualquier día de estos saco por aquí).



Su disco debut, del mismo nombre de la banda, está repleto de buen hard rock y heavy metal a la japonesa pero cantado en ingles. Destaca por ser un album muy melódico, tanto en la voz de Morikawa como en las guitarras de Tojiyama, genialmente acompañados por el teclado de Toshio Egawa (Gerard), la batería de Tora (Onmyo-za) y el bajo de Matatabi (Onmyo-za). Contiene 12 pistas de canciones cañeras como "Stricking my Heart" y medios tiempos y baladas como "Don´t let me down". En general, un disco de elaboración muy cuidada que se disfruta de principio a fin.

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Aquí os traigo una compilación de álbumes de trip-hop jazz, en su mayoría japoneses, salvo 2 excepciones. En el se incluyen:

DJ whitesmith
Tsunenori
Emancipator
Nitsua
Beautiful field(es un álbum recopilatorio con muchos artistas)
DJ okawari
Hiroto Uyama

No he incluído ni a Nomak ni a Nujabes porque tienen una discografía bastante extensa y me habría llevado siglos subirlo todo, sin embargo su tiempo llegará.

Este tipo de música se caracteriza por ser muy tranquila, se usa mucho el piano, como es normal en el jazz, aunque no todos los álbumes son del mismo estilo, el de emancipator es ligeramente diferente, pero dado que su "maestro" es Nujabes, se basa en lo mismo.

Aquí os dejo unas muestras que considero fucking awesome:









Descarga: Trip-Hop jazz

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Pues sigamos poniendo más música, ya que aparte de Dubliner y yo, no pone nadie más (sí, es para ver si alguien más pone ¬_¬) . Y cómo no, cambio de tercio respecto a los discos que postea Dubliner.

Hoy le toca el turno a otra banda con cantante femenina (y creo que mis próximos post irán por los mismos derroteros), en este caso es The Hush Sound.

The Hush Sound es un cuarteto de indie rock originario de Lisle, Illinois. Inicialmente se llamaron The Hush, pero después cambiaron a The Hush Sound al descubrir que ya había un rapero con ese nombre.

La banda está compuesta por Bob Morris (guitarra y voces), Greta Salpeter (piano y voces), los fundadores del grupo y principales vocalistas, Chris Faller (bajo y voces) y Darren Wilson (batería y voces).

En 2005 sacaron su primer disco de estudio, llamado So Sudden. Su segundo disco de estudio, Like Vines, apareció en 2006 bajo el sello Fueled by Ramen. Su tercer disco de estudio, Goodbye Blues, fue lanzado en marzo de 2008.

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MySpace: The Hush Sound

Web: The Hush Sound

Descarga: The Hush Sound - 2005 - So Sudden

Descarga: The Hush Sound - 2006 - Like Vines

Descarga: The Hush Sound - 2008 - Goodbye Blues

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Vamos a probar hoy con un poco de rock "andaluz" a ver que tal. En concreto, con el album ¿Hay alguien ahí? de Amadablan. Y digo "andaluz" porque, a pesar de las influencias de Triana o Medina Azahara en su música, Amadablan son extremeños :)

La banda se forma en 1995 en Almendralejo. Al año siguiente venden 1000 copias de su primera maqueta, como ellos dicen en su página web, practicamente puerta a puerta. Ya en 1997 quedan segundos a nivel nacional en el concurso Imaginarock de la cadena 100, hecho que les permite participar en diversos festivales y actuaciones propias, además de grabar su primer disco.



Ya en 2004 lanzan al mercado su segundo disco, titulado ¿Hay alguien ahí?, cargado de influencias del rock andaluz de los años setenta de bandas como Alameda o Triana, pero dándole un enfoque más fresco y actual, imprimiéndole su propio estilo y sello y reinventando y modernizando el género. Como ellos mismos describen en su web, trece canciones componen este disco, donde el amor en “La luz de la mañana”, “Ven conmigo esta noche”…, y el desamor en “La noche fría”, “Tiempo perdido”,… toman un papel importante, sin dejar atrás el sentimiento a la música en “Mi último tren” y a toda esa gente que está ahí, en los buenos y los malos momentos en “La ciudad sin ti”.

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Web: http://www.amadablan.com
Cómpralo: Manda un mail a grupo_amadablan@hotmail.com y lo recibirás contrareembolso en casa.

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Curiosamente, la primera entrada que voy a hacer de una banda española es sobre una que no canta en español, sino en inglés. Se tratan de los madrileños Arwen, y su disco Illusions.

Arwen se funda en Madrid en 1996 de la mano de José Garrido (guitarra) y Luis Hernández (bajo). Con posterioridad se van uniendo Nacho Ruiz (guitarras y voces, desechando más tarde la guitarra para centrarse en cantar), Mari Carmen Castaño (voces), Nacho Arriaga (batería), Rosalva Alonso (teclados), Alberto Avilés (guitarras) y Jónathan Zapatero (teclados). Cosa extraña en estos tiempos de sampleados que corren, Arwen apuesta fuerte por el directo y, en lugar de pregrabar instrumentos para el directo, decide apostar por la creatividad y espontaneidad usando simultaneamente dos teclistas y tres guitarristas para realizar en directo toda su música, huyendo del sonido enlatado que se escucha de fondo en la mayoría de conciertos hoy en día. Yo, que les ví en Madrid el año pasado como teloneros de Axxis, debo decir que me encantó su apuesta y que muchas bandas deberían tener la valentía de este grupo, puesto que no es nada fácil tocar una música tan elaborada en directo. Uno se llega a plantear si tanto efecto pregrabado para los conciertos no será debido a la escasez de virtuosismo de ciertas bandas que, sacadas del estudio, no son capaces de transmitir en directo lo mismo que en sus discos. En el caso de Arwen, quedan fuera de toda sospecha y siempre me quedaré más corto que largo en mis elogios para ellos.

En 2001 fichan por la discográfica Arise Records, y al año siguiente lanzan al mercado su primer album, "Memories of a Dream". Al mismo tiempo, graban la canción "March of Time" (Helloween), la cual será incluida en el disco tributo "The Keepers of Jericho Part II".



En 2004 lanzan al mercado Illusions, su segundo disco. En el encontramos 13 pistas de power metal progresivo muy elaborado con potentes guitarras y armoniosos acompañamientos de teclado cuerpo a las canciones, siendo ejecutadas con maestria las voces, sirviendo la dulce voz de Mari Carmen como contrapunto a la voz más potente de Nacho Ruiz. Con la combinación de sus ocho integrantes, Arwen logra en este disco una ambientación magistral que luego son capaces de mostrar en su directo. Si teneis la oportunidad de ir a verles no os lo perdais, que no saldreis defraudados.

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Si, vale, Rancid no son precisamente unos desconocidos, a pesar de nunca haber obtenido en nuestro pais el éxito que tuvieron en Estados Unidos. Que si, que este album fue disco de platino. Sin embargo, este disco tiene algo especial que va a hacerme hablar de él en este blog, y es precisamente que es otro de esos discos que escucho del tirón sin saltarme ninguna pista. Hoy os traigo el aclamado, y según muchos obra culminante de la creacion de Rancid, ... And out come the wolves.

Rancid es una banda de punk con toques ska nacida a principios de los 90 en California, formada por Tim Armstrong en guitarra y voces, Matt Freeman al bajo y voces, Lars Frederiksen a la guitarra y voces, y Brett Reed a la batería. Todavía sin Frederiksen, el cual se uniría a la banda en 1993, lanzaron al mercado un primer EP debut en 1992 que les valió un contrato con la discográfica Epitaph (propiedad de Brett Gurewitz, Bad Religion). Poco después tuvieron un escarceo con Billie Joe Amstrong (Green Day), cooperando en la canción "Radio" e incluso tocando en directo con Rancid. Sin embargo, Amstrong decidió seguir con Green Day, y en su lugar se unió Lars Frederiksen. Ya con Frederiksen lanzaron al mercado su segundo album "Let´s go", que les valió el unirse como teloneros a Offspring en la gira de su album Smash.



En este contexto de popularidad lanzan en 1995 al mercado su tercer album, ...And Out Come The Wolves, título que pensaron debido a una pequeña batalla que tuvieron varias discográficas para hacerse con los servicios de la banda, a pesar de la cual decidieron permanecer fieles a Epitaph. ...And Out Come The Wolves es un album punk cargado de matices ska que destaca, como no podía ser de otra manera para aquellos que conoceis mis gustos musicales, bastante melódico. Sin gozar de la velocidad de otras bandas contemporaneas de la escena punk americana como NOFX o Lagwagon, este album posee toda la rabiosa energía de la escena punk sin escatimar en ningún momento melodiosidad ni caer en el típico ruido sucio que dio nombre al género en Inglaterra en los años setenta. Un señor disco para disfrutar desde el principio al fin. Cabe destacar los tres singles que salieron de este disco, popularizados bastante en su momento en la MTV: Ruby Soho, Time Bomb y Roots Radicals.

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